Античность и средневековье

Скульптура древней Греции

Религиозные и этические воззрения эллинов, принимавших видимый мир за непосредственное проявление божества и стремившихся выразить последнее через очистку или идеализацию первого, были причиной того, что ваяние стало самым значимым видом художественного творчества древних греков.

 

XIII—VII века до н. э.

   Свидетельства склонности древних греков к прямому подражанию природе находятся ещё в архаический период их истории. Одним из примеров этого является рельеф над Львиными воротами в Микенах.

   Затем, с первых столетий, следовавших за вторжением дорийцев в Пелопоннес, не сохранилось достоверных источников информации и памятников, но с конца VII века до н. э. повышается  мастерство воспроизведения форм человеческого тела. Прежде боги изображалась в виде грубых деревянных истуканов (так называемые ксоаны), с окоченелыми, порою едва намечаемыми и неотделенными от корпуса членами. Затем изваяния стали более оживлёнными, причем туловища их изготавливали из дерева, а головы и руки из мрамора (такие изваяния называются акролитами). Мрамор и бронза постепенно получают широкое распространение.

   Процесс создания статуй,  заставляли греческих ваятелей внимательно изучать обнажённое человеческое тело. Повсюду, на Эгине, в Аргосе, Сикионе, Афинах и других местах, возникают скульптурные школы, и среди ваятелей славятся Дипойн и Скиллид, Каллон, Онат, Агелад и некоторые другие.

VI-V века до н. э.

   VI век и начало V-го — греческая скульптура утрачивает восточное влияние и начинает развиваться самостоятельно. К важнейшим памятникам этой эпохи относятся метопы древнейшего из селинунтских храмов в Сицилии, фронтонные группы эгинского храма ,  и изображающие сцены борьбы греков с троянцами.

   Век Перикла — период наибольшего расцвета греческой скульптуры. Известными представителями этого периода являются Каламид, в разнообразных произведениях которого грация сочеталась с тонким художественным чутьём натуры, и Мирон, среди заслуг которого привнесение в скульптуру нового элемента — смелого, одушевленного движения.

   Выдающимся скульптором эпохи Перикла был афинянин Фидий (около 500—432 г. до н. э.), ваявший преимущественно статуи богов, наделённые редким благородством и величием. Глубоко прочувствовав характер главных олимпийцев, он создал их наилучшие образцы, которых потом придерживались многие античные ваятели. Это хризоэлефантинная статуя Афины Паллады для Парфенона, бронзовая статуя той же богини, как градохранительницы, стоявшая в афинском Акрополе, хризоэлефантинный Зевс Олимпийского храма и другие.

   Среди учеников Фидия наибольшую известность получили Алкамен, Агоракрит и Пэоний; из произведений же его школы особенно замечательны скульптурные украшения Парфенона.

   Одновременно с этой аттической школой ваятелей процветала пелопоннесская школа в Сикионе, во главе которой стоял Поликлет, создавший идеальный тип Геры в хризоэлефантинной статуе для аргосского храма этой богини; он в особенности отличался искусством изображать юных атлетов и одним из таких изображений установил идеальные пропорции человеческого тела (так называемый канон Поликлета).

IV в. до н. э.

   В IV в. до н. э. греческая скульптура, не утратив своего совершенства, открылась с другой стороны: ещё не исчезли идеи и чувства, породившие множество шедевров в век Перикла, но к ним добавились новые понятия, новые задачи; произведения стали более страстными, проникнутыми драматизмом, отличались более чувственной красотой. В отношении материалов ваяния также произошли изменения: слоновую кость и золото вытеснил из употребления мрамор; к металлическим и другим украшениям стали прибегать более умеренно.

   Одним из представителей этого направления был Скопас, глава новоаттической школы. Он старался воспроизводить пафос, выражать бурные страсти, и достигал этой цели с силой, какая до той поры не была никому доступна (ему принадлежали оригиналы Аполлона Кифареда, сидящего Ареса виллы Лудовизи и, быть может, Ниобид, умирающих вокруг своей матери, а также ему принадлежит исполнение части рельефов Галикарнасского Мавзолея).

   Другой великий мастер той же школы, Пракситель, любил, подобно Скопасу, изображать глубокие ощущения и вызванные страстью движения, хотя лучше всего удавались ему идеально-прекрасные юношеские и полудетские фигуры с оттенком едва пробудившейся или ещё скрытой страстности II в. до н. э.

   В противоположность афинским мастерам-идеалистам, скульпторы пелопоннесской школы этой же эпохи в Аргосе и Сикионе работали в натуралистическом духе, создавая, в основном, сильные и красивые мужские фигуры, а также портреты известных деятелей. Между этими художниками первенствовал Лисипп, ваятель из бронзы, современник и любимец Александра Македонского, прославившийся его портретными изображениями, создавший новый канон пропорций человеческого тела своею статуей атлета-апоксиомена  и создавший, между прочим, типовой образ Геракла.

   В последнюю пору самостоятельного существования греческого народа, с эпохи Александра Великого и до покорения Греции римлянами, наметился упадок творчества скульпторов.

Скульптура
Проиграть видео
Живопись
Проиграть видео

Античная живопись

   Греческие художники, в своих попытках изобразить реальную действительность, разрабатывают и используют в росписях стен приёмы свето-тени и псевдоперспективы (линейной и воздушной), так называемая “рыбья кость”. Сюжеты античной живописи весьма разнообразны, что положило начало основным жанрам: пейзаж, натюрморт, портрет, бытовой и исторический сюжет.

   Древние греки украшали стены храмов и дворцов фресками. Из древних литературных источников и из римских копий греческого искусства можно сказать, что греки рисовали маленькие картины и делали мозаики. Известны имена греческих мастеров и немного из их жизни и работ, хотя очень мало греческой живописи пережило века и последствия войн. Греки не  писали в гробницах, поэтому их работы не были защищены.

   Окрашенные вазы – это всё, что сохранилось от греческой живописи сегодня. Изготовление керамики было большой отраслью в Греции, особенно в Афинах. Контейнеры пользовались большим спросом, поставлялись на экспорт, так же как масло и мёд, и для бытовых целей. Вазы были украшены и человеческими фигурами в коричневой глазури на светлой глине. К VI веку вазочные художники часто рисовали чёрные человеческие фигуры на естественной красной глине. Детали были вырезаны на глине острым инструментом. Это позволило красному проявиться в глубинах рельефа.

   Красно фигурный стиль в конечном итоге заменил чёрный. Т. е. наоборот: фигуры красные, а чёрным стал фон. Преимущество этого стиля заключалось в том, что художник мог использовать кисть для создания контуров. Щётка даёт более свободную линию, чем металлический инструмент, используемый в чёрных фигурных вазах.

   В 79 году нашей эры два города были полностью погребены извержением вулкана Везувий. Археологи, которые раскопали этот район, смогли много узнать о древнеримской жизни из этих городов. Римские живописцы тщательно готовили поверхность стены, нанося смесь из мраморной пыли и штукатурки. Они полировали поверхности до качества мраморного покрытия. Многие из картин являются копиями греческих картин IV века до н.э. Изящные позы фигур, написанных на стенах Виллы Мистерий в Помпеях, вдохновили художников XVIII века, когда город был раскопан.

  Фрески древних греков, глянцевые на поверхности, основываются на методе живописи по многослойной штукатурке с добавлением мраморной пудры на верхнем слое.

   Греки и римляне также писали портреты. Небольшое количество из них, в основном портреты мумий, выполненные в греческом стиле египетскими художниками, сохранились вокруг Александрии, на севере Египта. Основанная в IV веке до нашей эры Александром Великим из Греции, Александрия, стала ведущим центром греческой и римской культуры. Портреты писались в технике энкаустики по дереву и устанавливались в виде мумии после смерти изображённого человека. Энкаустические картины, сделанные в краске, смешанной с расплавленным пчелиным воском, хранятся очень долго. Действительно, эти портреты всё ещё выглядят свежими, хотя они были сделаны ещё во втором веке до нашей эры.

Древнеримская скульптура

В этой последней фазе своего развития искусство греческой скульптуры перешло к римлянам. Римские скульпторы не ограничивались ролью простых подражателей: мало заботясь об идеализации, они старались передавать натуру с точностью и силой. Таков характер их исторических статуй и бюстов.

   Народу, призванному к выработке основ государственной жизни и к господству над миром, было вначале не до искусства и эстетических наслаждений. После того, как пала Греция, и произведения её ваятелей целою массою свезены были в Рим, в который, к тому же, начали стекаться её художники, было вполне естественно, что эллинское совершенное искусство вытеснило из вечного города  искусство Этрурии. Греческие мастера стали работать на римлян и находить среди них учеников себе и подражателей. Как на лучшие из подобных произведений можно указать на статуи Венеры , Венеры Капитолийской, Ватиканской Ариадны, Аполлона Бельведерского и других. Впрочем, римские скульпторы не ограничивались ролью простых подражателей: мало заботясь об идеализации, они старались передавать натуру с точностью и силой. Таков характер их исторических статуй и бюстов, наполняющих собою современные музеи (например, статуи Августа в Ватиканском, Марка Аврелия и Агриппины в Капитолийском музеях). То же стремление сказывается в изваяниях, которыми римляне украшали общественные памятники для увековечения славных событий отечественной истории, подвигов и побед, распространивших владычество Рима до далеких пределов (рельефы на триумфальных арках Тита, Септимия Севера, Марка Аврелия, на колоннах Траяна, Антонина и Константина).

   Едва ли существовал какой-либо другой народ, который расходовал бы на ваяние столь много мрамора, как римляне. После “Золотого Века”, начавшиеся войны и смуты ожесточили нравы, что сказалось на качестве работ, которое  к эпохе Константина Великого упало очень низко и более не подымалось.

Скульптура
Проиграть видео
Живопись
Проиграть видео

Средневековая живопись

Сюжеты средневековой живописи носят религиозный характер, иногда разбавляются историческими иллюстрациями. Цвет в живописи эпохи Средневековья условен, символичен. Художники Средневековья используют локальный колорит. Особые черты, присущие искусству этой эпохи – чёткий, строгий силуэт, условность фона, отсутствие глубины изображения, условность живописно-графических приёмов и изображаемых мотивов.

   Ранние христиане и византийские художники продолжили технику мозаики, о которой они узнали от греков. Маленькие плоские кусочки цветного стекла или камня устанавливались на влажный цемент или штукатурку. Иногда использовались другие твёрдые материалы, такие как кусочки испечённой глины или скорлупа. В итальянской мозаике цвета особенно глубоки и полны.

   Мозаики византийских художников часто были ещё менее реалистичными и ещё более декоративными, чем мотивы ранних христиан.  Византийские художники также использовали золото на фресках и панелях. Золото и другие драгоценные материалы использовались в средние века, чтобы отделить духовные предметы от повседневного мира.

   Первая часть средневековья, примерно с VI по XI века нашей эры, обычно называют Тёмными. В это время искусство хранилось в основном в монастырях. В V веке н.э. варварские племена из Северной и Центральной Европы бродили по континенту. В течение сотен лет они доминировали в Западной Европе. Эти люди произвели искусство, в котором главным элементом является узор. Они особенно увлекались структурами переплетающихся драконов и птиц.

   Очень мало росписи стен сохранилось со средневековья. В церквях, построенных во время романского периода (XI-XIII вв.), было несколько великих фресок, но большинство из них исчезло. В церквях готического периода (XII-XVI вв.) не было достаточно места для настенных росписей. Книжная иллюстрация была главной работой готического живописца.

   Среди лучших иллюстрированных рукописей были книги часов – сборники календарей, молитв и псалмов. Страница из итальянской рукописи показывает тщательно оформленные инициалы и мелко детализированную маргинальную сцену святого Георгия, убивающего дракона.

   Итальянские художники в конце XIII века всё ещё работали в византийском стиле. Человеческие фигуры были сделаны плоскими и декоративными. Лица редко имели выражение. Тела были невесомыми и, казалось, плавали, а не стояли твёрдо на земле.

   Наконец, великий флорентийский художник Джотто (1267-1337),  фактически порвал с византийской традицией. Его фресковая серия в Часовне Арены в Падуе оставляет византийское искусство далеко позади. Люди не кажутся совершенно нереальными или небесными. Джотто заштриховал контуры фигур, и  поместил глубокие тени в складки одежд, чтобы дать ощущение округлости и прочности. Ясность и яркость его цветов должны были сильно повлиять на людей, привыкших к тёмным цветам византийских панелей.

Средневековая скульптура

   Главная особенность  средневековой скульптуры, что она стала частью архитектуры (в основном соборов, как главных и единственных общественных пространств  искусства). Свободностоящая скульптура встречалась редко, потому что отражала чуждые христианству ценности, напоминая об языческих идолах, идолопоклонстве. Зато в архитектуре скульптура имела практически полную свободу.

  В тёмную пору раннего средневековья скульптура находилась в полном упадке: в Византии и вообще на Востоке оно было изгнано из употребления для крупных предприятий и производило лишь мелкие вещи, каковыми были диптихи из слоновой кости, кресты, оклады священных книг и икон, а на Западе, где также  приходилось удовлетворять почти исключительно потребности религиозного культа, прозябало на почве смутных античных преданий.

  Соборы строились не одно десятилетие, а феодальная раздробленность не приводила к  появлению единых канонов за исключением церковно-христианских. Хотя все задуманное осуществлялось  в лоне христианства, варварские традиции нашли свое отражение во многих скульптурных образах.

   Во Франции к моменту возникновения готического стиля скульптуры ваялись из каменных блоков, оставаясь в то же время их частью; отдельно, самостоятельно «стоящих» статуй не создавалось. Лишь к началу XIII столетия начинается достаточно медленное развитие пластического мастерства в направлении ваяния отдельных фигур с пропорционально переданными членами.

   В Италии сложилась самостоятельная готическая школа пластики. Здесь скульптура больше не связана в обязательном порядке с архитектурными решениями, она служит более созданию декора в помещениях и открытых пространствах (городские площади, парки). Итальянская школа всё менее связана с византийским искусством, и всё более ищет для себя образцы в античности.

   В Германии к началу XIII столетия работают преимущественно скульпторы и зодчие, прошедшие обучение у французских мастеров. Здесь предпочитают установку статуй во внутренних помещениях зданий.

Проиграть видео